OSWALDO GUAYASAMÍN: ŽIVOTOPIS A DÍLA - UMĚNÍ - 2024

Oswaldo Guayasamín (1919-1999) je jedním z nejvýznamnějších umělců v Latinské Americe, jehož tvorba byla vystavena v nejvýznamnějších světových místnostech. Jeho umění má hluboký domorodý pocit s ideologickým a obrazovým postojem charakteristickým pro americký kontinent: sociální realismus.

Guayasamín, který se narodil v Quitu a byl vyškolen podle tradičních uměleckých kánonů, se rozešel s těmito plány, aby zachytil realitu domorodých obyvatel Latinské Ameriky, kteří utrpěli útlak, útoky kolonie a miscegenace.

Zdroj: modernsilver.com

V expresionistickém stylu byly výtvory tohoto ekvádorského umělce podporovány mexickými muralisty, pokud jde o expresivitu, použití barvy a sílu, kterou přenášejí, aby pozorovatele zanechaly pocit autorovy vitální energie a tímto způsobem oznámte svůj protest.

Kromě této domorodé podstaty je jeho dílo také charakterizováno přivlastňováním avantgardních trendů, jako je kubismus a expresionismus, aniž by došlo ke ztrátě realismu projevení reality násilí, které odsoudil.

Udělal působivé výstavy - více než 200 samostatných - v nejdůležitějších muzeích na světě, jako je Francie, Španělsko, bývalý Sovětský svaz, Československo, Polsko, Mexiko, Chile a Argentina.

Guayasamín je také známý tím, že navštěvuje přátele s osobnostmi světové třídy, jako jsou básník Pablo Neruda, Fidel Castro, Gabriela Mistral, španělský král Juan Carlos, Gabriel García Márquez a Carolina de Mónaco.

V roce 1991 uznala ekvádorská vláda umělcovo plodné dílo a jeho příspěvek ke světovému umění, a proto se rozhodlo vytvořit Guayasamínovu nadaci, na kterou malíř daroval všechny své umělecké a umělecké sbírky.

Životopis

Oswaldo Guayasamín se narodil 6. července 1919 v Quitu a byl nejstarším bratrem v desetileté rodině. Jeho otec, José Miguel Guayasamín, byl domorodý člověk kmene Quechua; zatímco její matka, která se jmenovala Dolores Calero, byla mestizo.

Od velmi mladého věku projevoval lásku k malbě karikaturami svých spolužáků a vytvořením plakátů pro obchod, který běžela jeho matka. Kromě toho maloval obrázky na kartony, které prodával turistům, aby zaplatili za studium.

Navzdory pevné opozici svého otce se mladý Guayasamín zapsal do školy výtvarných umění v Ekvádoru, od níž v roce 1941 promoval jako malíř a sochař, a získal uznání za nejlepšího studenta své třídy.

Již rok po absolvování se mu podařilo uspořádat svou první výstavu v ekvádorském hlavním městě. Tato výstava se vyznačovala svým charakterem společenské výpovědi, která vyvolala velké rozrušení mezi publikem a kritiky času.

Díky tomuto zvláštnímu stylu se mladému Guayasamínovi podařilo zaujmout Nelsona Rockefellera, který mu koupil několik obrazů a podpořil ho v jeho budoucnosti.

Internacionalizace

Po této kontroverzní výstavě as podporou Rockefellera se Guayasamín přestěhoval do Spojených států, kde také vystavoval své obrazy. Během 7 měsíců svého pobytu navštívil všechna muzea, která mohl přijít do přímého kontaktu s prací El Greca, Goyy, Velásqueze a mexických muralistů Diego Rivery a Orozca.

S penězi, které dokázal vydělat, odcestoval do Mexika, aby se setkal s velkým učitelem, muralistou Orozcem, který díky jeho talentu dovolil, aby byl jeho asistentem. Během této návštěvy se také setkal s Diegoem Riverou a od obou se naučil techniku ​​malování al fresco. V Mexiku se stal přítelem Pabla Nerudy.

V roce 1945 podnikl významnou cestu: z Mexika do Patagonie. Na této cestě navštívil každé město a dělal si poznámky a kresby, jaké byly jeho první série 103 obrazů zvaných Huacayñan, což v Quechua znamená „Způsob pláče“, jehož téma je o černé, indické a městské.

Tímto způsobem se celá jeho práce začala točit kolem domorodého tématu, o útlaku a násilí, jehož se domorodé národy staly oběťmi.

Monumentální dílo El camino del llonto bylo provedeno díky podpoře, kterou Casa de la Cultura dala Guayasamínovi.

Tato série byla poprvé vystavena v Quito v roce 1952 v Museo de Arte Colonial a ve stejném roce ve Washingtonu a Barceloně (Španělsko), během III. Bienal Hispanoamérica de Arte. Na této poslední akci získal Velkou cenu za obraz.

Přítomnost ve velkých budovách

Kromě monumentálních výstav v hlavních muzeích světa je Guayasamínovo dílo přítomno také ve velkých stavbách.

Například benátská skleněná mozaika je v Centro Simón Bolívar v Caracasu od roku 1954, která se nazývá Pocta americkému muži.

Pro svou rodnou zemi vytvořil v roce 1958 dvě působivé nástěnné malby. Prvním z nich je objev řeky Amazonky, vytvořený také v benátské mozaice, která je ve vládním paláci v Quitu. Druhý byl vytvořen pro Právnickou fakultu Ústřední univerzity v Ekvádoru, která se jmenuje Dějiny člověka a kultury.

V roce 1982 byla na letišti Barajas v Madridu slavnostně otevřena nástěnná malba více než 120 metrů, kterou Guayasamín maloval mramorovým prachem a akryly. Toto monumentální dílo má dvě části: jedna je věnována Španělsku a druhá Americe.

Jeho práce je také přítomná v centrále Unesco v Paříži a Sao Paulu. Jeho památky také zdobí Ekvádor: Mladá vlast je v Guayaquilu a odpor v Quitu.

Hlavní uznání a smrt

Guayasamín získal díky své plodné práci, charakteru společenského vypovězení a univerzálnímu významu řadu ocenění a uznání za svou kariéru.

Jeho práce byla uznána po celém světě v důsledku skutečnosti, že v roce 1957 obdržel cenu Nejlepší malíř jižní Ameriky, který mu byl udělen bienále Sao Paulo v Brazílii. To znamenalo konsolidaci internacionalizace.

V roce 1976 založil spolu se svými dětmi Nadaci Guayasamín, aby daroval své umělecké dědictví Ekvádoru. Prostřednictvím tohoto nadace se mu podařilo uspořádat tři muzea: předkolumbovské umění, koloniální umění a současné umění.

Byl jmenován členem Královské akademie výtvarných umění ve San Fernando ve Španělsku a čestným členem Akademie umění v Itálii. V roce 1973 byl také jmenován viceprezidentem a později prezidentem Quito House of Culture.

Kromě toho byl prvním latinskoamerickým umělcem, který obdržel vyznamenání od francouzské vlády; To se stalo v roce 1974.

Zemřel 10. března 1999, aniž by dokončil své největší dílo La capilla del hombre, které umělce pojalo jako poctu lidstvu, zejména latinskoamerickému lidu. Je to umělecké muzeum postavené v Quitu, jehož cílem je spojit latinskoamerické umění z Mexika do Patagonie.

Kaple člověka, Quito. Bernard Gagnon z Wikimedia Commons První fáze architektonického monumentálního prostoru byla slavnostně otevřena v roce 2002. Unesco ji prohlásilo za „prioritu pro kulturu“, za což obdržela četné příspěvky od jiných států a dalších významných umělců na světě.

Hraje

Produkce Guayasamína se od počátku vyznačuje hlubokým domorodým duchem a je zatížena vysokým obsahem společenské výpovědi. Tímto způsobem dokázal překročit hranice tradičních kánonů a stát se jedním z nejstabilnějších obránců domorodých obyvatel Latinské Ameriky.

Aby rozvíjel svůj osobní styl, pil z vlivu mexických muralistů, zejména jeho učitele Orozca. Byl také vroucím exponentem expresionismu, který dal celé své tvorbě humanistickou výhodu tím, že odrážel bolest a utrpení, které utrpěla dobrá část lidstva.

Tímto způsobem je Guayasamínovo dílo součástí toho proudu expresionismu, ve kterém je expresivní realita důležitější, aniž by se zabývala vnější realitou, ale spíše emocemi, které se v pozorovateli probudí.

Z tohoto důvodu tento malíř potvrdil, že „můj obraz má bolet, škrábat a zasáhnout srdce lidí. Ukázat, co člověk dělá proti člověku. “ To se projevuje zejména na jejich znetvořených a smutných tvářích, které silně vyjadřují bolest jejich lidí.

V tomto smyslu je jeho práce zaměřena na lidskou postavu, s živými barvami a sociálními tématy.

Navzdory přizpůsobení své práce zkušenostem a technikám, které mu zanechal kontakt s velkými umělci té doby, vždy na svém plátně udržoval výraz lidského sentimentu. V celé jeho tvorbě lze rozlišit tři věky, které jsou následující:

Způsob pláče

Nadaci Guayasamín se podařilo shromáždit některé z prvních uměleckých výtvorů, které začaly malovat a kreslit ve věku 7 let. Když ve dvanácti letech vstoupil do školy výtvarných umění, zaujal svou virtuozitou učitele a spolužáky. Již v tomto věku začal pracovat na sociálních otázkách, které později označily jeho celou kariéru.

Za první etapu se považuje její první série: Cesta pláče.

Tato fáze se koná mezi lety 1945 a 1952 a zaměřuje se hlavně na cestu, kterou podnikl se svými přáteli po celé Jižní Americe, ve které se zastavil, aby navštívil každé město, aby si uvědomil jejich realitu.

Díky poznámkám a kresbám, které udělal během cesty, se odkázal na svět Huacayñan nebo El camino del llonto, svou první sérii 103 obrazů, ve kterých zachycuje problém Indů, černochů a mestizů prostřednictvím univerzálních archetypů, které se objevují v prostředích. se symboly předků, jako je měsíc, slunce a hory.

Díky celé své univerzální symbolické zátěži byla tato série tím, kdo jí dal místo ve světovém umění.

Věk hněvu

V této fázi, kterou vyvinul v 60. letech, Guayasamín prokázal, že estetický obsah není ve své práci důležitý, ale sociální obsah, poselství člověka proti útlaku, násilí a utrpení.

Původ této stížnosti sahá až do doby, kdy byl v mládí atentát na vraždy zavražděn represí v Quitu. Odtud umělec provedl křížovou výpravu, aby vykreslil násilí člověka proti člověku, aby zanechal vzkaz vzpoury a bojoval proti odcizení.

Tato vzpoura se projevuje v očích jeho postav, které volají po změně. Jejich postavy jsou úšklebkem bolesti navzdory vyrovnanosti, kterou ukazují, jejich ruce volají po naději. To vše se projevuje obrovskými svislými tahy, které ještě více vyznačují bolest.

Touto prací Guayasamín otřásl světem odhalením veškeré krutosti člověka během 20. století. Z tohoto důvodu se mu podařilo vystavit v hlavních západních městech světa, což vyvolalo rozruch jak v kritice, tak v komunitě.

Něhy

Tento cyklus začal v 80. letech jako pocta jeho matce, transcendentální osobnosti v jeho životě, které deklaroval svou lásku a vděčnost za to, že ho stále podporoval.

Tato série znamená změnu v uměleckém díle, aniž by to znamenalo, že postavy, nyní klidnější než dříve, nějak ztratí poselství o výpovědi a kritice.

Věk něhy, nebo když žiji, na tebe vždy vzpomínám, se skládá ze 100 děl, jejichž centrum je poctou jeho matce; ve skutečnosti to obecně odkazuje na mateřskou postavu včetně Matky Země.

Tento soubor je také považován za hymnu lidských práv. Je to poslední práce, která ho okupovala, od roku 1988 do roku 1999.

Guayasamín díky svému zvláštnímu estetickému stylu, ale především kvůli svému tématu zaměřenému na zanechání poselství vzpoury a odsuzování lidstva, překonal hranice svého rodného Ekvádoru a získal čestné místo v univerzálním umění.

Bylo to tak díky skutečnosti, že jeho stvoření má zvláštní expresivitu doby, kterou musel žít, předat zprávu, která probudila svědomí lidstva a podařilo se mu vyvolat výkřik vzpoury.

Reference

1. «Biography» in Capilla del Hombre. Citováno z 10. ledna 2019 z Capilla del Hombre: capilladelhombre.com
2. Buitrón, G. «Oswaldo Guayasamín» (srpen 2008) v «Eseje o obrazu» univerzity v Palermu. Citováno z 10. ledna 2019 z University of Palermo: palermo.edu
3. „Oswaldo Guayasamín, malíř slz, hněvu a něhy“ v Muy historia. Citováno z 10. ledna 2019 v Muy historia: muyhistoria.es
4. "Oswaldo Guayasamín" v životopisech a životopisech. Citováno z 10. ledna 2019 v Biographies and Lives: biografiasyvidas.com
5. "Oswaldo Guayasamín" v Encyklopedii Britannica
6. "Oswaldo Guayasamín" v historii-životopis. Citováno z 10. ledna 2019 v Historia-biography: historia-biografia.com
7. Sciorra, J. «José Sabogal a identita časopisu Amauta» (listopad 2013) v institucionálním repozitáři UNLP. Citováno z 10. ledna 2019 z Institucionálního repozitáře UNLP: sedici.unlp.edu.ar